UNIVERSIDAD NACIONAL ABIERTA Y A DISTANCIA (UNAD)
YECID ALBERTO LÓPEZ BELEÑO CODIGO: 1040360978
ESTETICA JURY JAAMAN
NOVIEMBRE 22 DEL 2010
lunes, 22 de noviembre de 2010
TRABAJO COLABORATIVO 3 ( EL CINE)
El cine (abreviatura de cinematógrafo o cinematografía), es la técnica de proyectar fotogramas de forma rápida y sucesiva para crear la impresión de movimiento, mostrando algún vídeo (o película, o film, o filme). La palabra cine designa también las salas o teatros en los cuales se proyectan las películas.Etimológicamente, la palabra cinematografía fue un neologismo creado a finales del siglo XIX compuesto a partir de dos palabras griegas. Por un lado κινή (kiné), que significa "movimiento" (ver, entre otras, "cinético", "cinética", "kinesiología", "cineteca"); y por otro de γραφóς (grafós). Con ello se intentaba definir el concepto de "imagen en movimiento".
Como forma de narrar historias o acontecimientos, el cine es un arte, y comúnmente, considerando las seis artes del mundo clásico, se lo denomina séptimo arte. No obstante, debido a la diversidad de películas y a la libertad de creación, es difícil definir lo que es el cine hoy. Sin embargo, las creaciones cinematográficas que se ocupan de la narrativa, montaje, guionismo, y que en la mayoría de los casos consideran al director como el verdadero autor, son consideradas manifestaciones artísticas, o cine arte (cine de arte). Por otra parte, a la creación documental o periodística se la clasifica según su género. A pesar de esto, y por la participación en documentales y filmes periodísticos de personal con visión propia, única y posiblemente artística (directores, fotógrafos y camarógrafos, entre otros), es muy difícil delimitar la calidad artística de una producción cinematográfica. La industria cinematográfica se ha convertido en un negocio importante en lugares como Hollywood y Bombay (el denominado "Bollywood"; un vocabulario básico de términos relacionados con el cine asiático).
Historia
Artículo principal: Historia del cine
Proyector de películas FH99-35/70.La historia del cine comienza el 28 de diciembre de 1895, fecha en la que los hermanos Lumière proyectaron públicamente la salida de obreros de una fábrica francesa en Lyon, la demolición de un muro, la llegada de un tren, y un barco saliendo del puerto.
El éxito de este invento fue inmediato, no sólo en Francia, sino también en toda Europa y América del Norte. En un año los hermanos Lumière creaban más de 500 películas, marcadas por la ausencia de actores y los decorados naturales, la brevedad, la ausencia de montaje y la posición fija de la cámara. Pero los espectadores acabaron aburriéndose por lo monótono de las tomas. Y fue George Méliès quien profundizó por primera vez en el hecho de contar historias ficticias y quien comenzó a desarrollar las nuevas técnicas cinematográficas, sobre todo en 1902 con "Viaje a la luna" y en 1904 con "Viaje a través de lo imposible", aplicando la técnica teatral ante la cámara y creando los primeros efectos especiales y la ciencia-ficción filmada. A partir de entonces la cinematografía no hizo más que mejorar y surgieron grandes directores como Ernst Lubitsch, Alfred Hitchcock, Fritz Lang, o Charles Chaplin que mantuvieron en constante evolución la técnica hasta que en 1927 se estrena la primera película con sonido El cantante de jazz, a partir de la cual el cine tal y como se conocía dejo de existir y se impusieron guiones más complejos que se alejaban de los estereotipados personajes que la época muda había creado.
Fue en ese mismo año 1927 cuando la Paramount Pictures crea la técnica cinematográfica conocida como doblaje.
Al cabo de los años la técnica permitió la incorporación del color, llegando en 1935 con "La feria de las vanidades" de Rouben Mamoulian, aunque artísticamente consiguió su máxima plenitud en 1939 con "Lo que el viento se llevó". El color tardó más en ser adoptado por el cine. El público era relativamente indiferente a la fotografía en color opuestamente al blanco y negro. Pero al mejorar los procesos de registro del color y disminuir los costes frente al blanco y negro, más películas se filmaron en color.
Asegurando su lugar en sucesión al cine clásico como por su proximidad al postmodernismo.
Realización cinematográfica
La realización es el proceso por el cual se crea un vídeo. Usualmente, en el cine de producción industrial pueden distinguirse cinco etapas de realización: desarrollo, preproducción, rodaje, postproducción y distribución. La realización supone asumir decisiones tanto a nivel artístico como productivo, y la limitación únicamente está dada por los medios disponibles (presupuesto del que se dispone y equipo con que se cuenta).
Equipo de filmación en rodaje.Equipo técnico
Producción: El productor cinematográfico es el encargado de los aspectos organizativos y técnicos de la elaboración de una película. Está a cargo de la contratación del personal, del financiamiento de los trabajos y del contacto con los distribuidores para la difusión de la obra. Si su tarea se limita a algunos aspectos puntuales del proceso técnico o creativo, se lo llama "co-productor".
También forman parte del área el director de producción, el productor ejecutivo, el jefe de locaciones y el asistente de producción.
Dirección: El director cinematográfico es el profesional que dirige la filmación de una película, el responsable de la puesta en escena, dando pautas a los actores y al equipo técnico, tomando todas las decisiones creativas, siguiendo su estilo o visión particular. Supervisando el decorado y el vestuario, y todas las demás funciones necesarias para llevar a buen término el rodaje.
También forman parte del área el asistente de dirección y el denominado script o continuista. Por otro lado, trabaja en conjunto con el director de actores.
Guión: El guionista es la persona encargada de confeccionar el guión, ya sea una historia original, una adaptación de un guión precedente o de otra obra literaria. Muchos escritores se han convertido en guionistas de sus propias obras literarias. Dentro del guión cinematográfico se distinguen el guión literario o cinematográfico, que narra la película en términos de imagen (descripciones) y sonido (efectos y diálogo), y está dividido en actos y escenas. Es necesario distinguir el guión literario del guión técnico, que agrega al anterior una serie de indicaciones técnicas (tamaño de plano, movimientos de cámara, etc.) que sirven al equipo técnico en su labor y que, a diferencia del guión literario, suele elaborarlo el director, no el guionista.
También pueden colaborar con el guionista otros escritores (co-guionistas) o contar con dialoguistas que están especializados en escribir diálogos.
El papel del guionista es muy importante, pues su trabajo es la base de todo el proyecto, si el guión es bueno el director puede hacer una película excelente, pero si éste es deficiente aunque el director tenga muchos recursos, la película quedará vacía.
Sonido: En rodaje, los encargados del sonido cinematográfico son el técnico de sonido y los microfonistas. En la postproducción se suman el editor de sonido, el compositor de la música incidental y los artistas de efectos sonoros (foley) y de doblaje, para generar la banda sonora original.
El equipo de fotografía trabajando.Fotografía: El director de fotografía es la persona que determina cómo se va a ver la película, es decir, es quien determina, en función de las exigencias del director y de la historia, los aspectos visuales de la película: el encuadre, la iluminación, la óptica a utilizar, los movimientos de cámara, etc. Es el responsable de toda la parte visual de la película, también desde el punto de vista conceptual, determinando la tonalidad general de la imagen y la atmósfera óptica de la película.
El equipo de fotografía es el más numeroso y se compone, además del director de fotografía, del camarógrafo, el primer asistente de cámara o foquista, el segundo asistente de cámara, el cargador de negativos, el gaffer o jefe de eléctricos, los eléctricos u operadores de luces, los grip u operadores de travelling o dolly, los estabilizadores de cámara (steady cam) y otros asistentes o aprendices.
Montaje: El montaje cinematográfico es la técnica de ensamblaje de las sucesivas tomas registradas en la película fotográfica para dotarlas de forma narrativa. Consiste en escoger (una vez que se ha rodado la película), ordenar y unir una selección de los planos registrados, según una idea y una dinámica determinada, a partir del guión, la idea del director y el aporte del montador.
El montador hoy en día trabaja con plataformas y programas profesionales como Avid u otros métodos de montaje digital. Puede tener un asistente y a la vez suele trabajar en conjunto con el cortador de negativos, encargado de realizar el armado de la primera copia editada en film, basado en la lista de cortes, generada por el sistema de edición offline.
Arte (Diseño de producción): El área artística puede tener un director de arte o varios, de ser necesario. En el caso de haber más de uno, éstos están coordinados por un diseñador de producción, quien está a cargo de la estética general de la película. Estos directores tendrán asistentes y encargados específicos, como escenógrafos, encargados de vestuario, modistas, maquilladores, peluqueros/as, utileros y otros miembros suplementarios como pintores, carpinteros o constructores. También dependen de esta área especialistas en los efectos visuales y ópticos que se realicen en el rodaje, así como otros efectos realizados durante la fase de postproducción.
Stunts: (Doble (cine)) Los dobles de riesgo o dobles de acción son las personas que sustituyen al actor en las escenas de riesgo. Donde la integridad física del actor o actriz podrían estar en riesgo. En algunos casos la escena de acción demanda de los actores ciertas habilidades de los cuales carecen, en este caso un especialista es contratado para realizar dicha escena. En otros casos el mismo actor tiene las capacidades necesarias para realizar la escena de acción sin embargo lo sustituyen por un doble para evitar el riesgo de un accidente y así atrasar toda la filmación.
Storyboards: El storyboard es un guión gráfico que se utiliza para definir las secuencias, así como las variaciones de plano, gestos y posiciones de los actores, en cada una de las escenas antes de rodarla; en él vemos como si de un comic se tratase la película completa. Además este elemento es fundamental para la buena comprensión del equipo técnico hacia lo que se va a rodar, incluyendo anotaciones con las dificultades de algunos planos o cosas a tener en cuenta. En la creación de un storyboard, los personajes y el fondo se pueden retratar únicamente mediante siluetas, pero siempre recalcando los elementos importantes en la acción como pueden ser flechas para indicar movimiento de cámara o de actores, o la expresión de una actor en un plano determinado.
Géneros cinematográficos
Artículo principal: Género cinematográfico
En la teoría cinematográfica, el género se refiere al método de dividir a las películas en grupos. Típicamente estos géneros están formados por películas que comparten ciertas similitudes, ciertos tópicos, tanto en lo narrativo como en la puesta en escena.
Cine independiente: Una película independiente es aquella que ha sido producida sin el apoyo inicial de un estudio o productora de cine comercial. El cine de industria puede ser o no de autor, mientras que el cine independiente lo será casi siempre. Actualmente existen muchos países que no tienen una fuerte industria del cine, y toda su producción puede ser considerada independiente.
Cine de animación: El cine de animación es aquél en el que se usan mayoritariamente técnicas de animación. El cine de imagen real registra imágenes reales en movimiento continuo, descomponiéndolo en un número discreto de imágenes por segundo. En el cine de animación no existe movimiento real que registrar, sino que se producen las imágenes individualmente y una por una (mediante dibujos, modelos, objetos y otras múltiples técnicas), de forma tal que al proyectarse consecutivamente se produzca la ilusión de movimiento. Es decir, que mientras en el cine de imagen real se analiza y descompone un movimiento real, en el cine de animación se construye un movimiento inexistente en la realidad.
Cine documental: El cine documental es el que basa su trabajo en imágenes tomadas de la realidad. Generalmente se confunde documental con reportaje, siendo el primero eminentemente un género cinematográfico, muy ligado a los orígenes del cine, y el segundo un género televisivo.
Cine experimental: El cine experimental es aquél que utiliza un medio de expresión más artístico, olvidándose del lenguaje audiovisual clásico, rompiendo las barreras del cine narrativo estrictamente estructurado y utilizando los recursos para expresar y sugerir emociones, experiencias, sentimientos, utilizando efectos plásticos o rítmicos, ligados al tratamiento de la imagen o el sonido.
Cine de autor: El concepto de cine de autor fue acuñado por los críticos de los Cahiers du Cinéma para referirse a un cierto cine en el que el director tiene un papel preponderante en la toma de todas las decisiones, y en donde toda la puesta en escena obedece a sus intenciones. Suele llamarse de esta manera a las películas realizadas basándose en un guión propio y al margen de las presiones y limitaciones que implica el cine de los grandes estudios comerciales, lo cual le permite una mayor libertad a la hora de plasmar sus sentimientos e inquietudes en la película. Sin embargo, grandes directores de la industria, como Alfred Hitchcock, también pueden ser considerados «autores» de sus películas.
Se define de acuerdo con su ámbito de aplicación y recepción, ya que no suele tratarse de un cine ligado a la industria, y no se dirige a un público amplio sino específico, y comparte a priori un interés por productos que se hallan fuera de los cánones clásicos. Un subgénero importante podría ser el cine abstracto.
Teoría del cine
Artículo principal: Teoría cinematográfica
La teoría del cine se basa en el principio de secuencias de fotografías continuas, es decir el cine trata de representar la fotografía en una secuencia continua para mostrar movimiento sin interrupciones.
El cine clásico tiene un estilo que enfatiza la continuidad y comprensibilidad de la película. Normalmente tiene caracteres fuertes constantes durante toda la película y un argumento con un final feliz. El cine moderno no enfatiza estas características, al contrario, rechaza el cine clásico y su estilo; e intenta romper todo ese estilo y todas las convenciones de ésta. Directores diferentes utilizan montos variantes del estilo 'moderno'.
Formatos cinematográficos
El cine nació en el siglo XIX como consecución de una larga cadena de inventos y descubrimientos en torno a la fotografía. El hechizo que causaba la proyección de sombras chinescas o dibujos de lejanos países mediante lámparas mágicas se unió a los avances de la fotografía. Como fenómeno de masas, podemos hablar del nacimiento del cine con los hermanos Lumière. Pero no hay que olvidar que éstos lo que hicieron fue perfeccionar el kinetoscopio de Thomas Alva Edison. Y que hubo muchos otros inventos que giraron en torno a cómo captar el movimiento.
Fue Thomas Alva Edison el creador, además, del formato cinematográfico por excelencia, el 35 mm, sobre un soporte de nitrato de celulosa. Este formato y los de ancho superior devinieron los de uso profesional, aunque hubo otros muchos empleados por cineastas o por la propia
Como forma de narrar historias o acontecimientos, el cine es un arte, y comúnmente, considerando las seis artes del mundo clásico, se lo denomina séptimo arte. No obstante, debido a la diversidad de películas y a la libertad de creación, es difícil definir lo que es el cine hoy. Sin embargo, las creaciones cinematográficas que se ocupan de la narrativa, montaje, guionismo, y que en la mayoría de los casos consideran al director como el verdadero autor, son consideradas manifestaciones artísticas, o cine arte (cine de arte). Por otra parte, a la creación documental o periodística se la clasifica según su género. A pesar de esto, y por la participación en documentales y filmes periodísticos de personal con visión propia, única y posiblemente artística (directores, fotógrafos y camarógrafos, entre otros), es muy difícil delimitar la calidad artística de una producción cinematográfica. La industria cinematográfica se ha convertido en un negocio importante en lugares como Hollywood y Bombay (el denominado "Bollywood"; un vocabulario básico de términos relacionados con el cine asiático).
Historia
Artículo principal: Historia del cine
Proyector de películas FH99-35/70.La historia del cine comienza el 28 de diciembre de 1895, fecha en la que los hermanos Lumière proyectaron públicamente la salida de obreros de una fábrica francesa en Lyon, la demolición de un muro, la llegada de un tren, y un barco saliendo del puerto.
El éxito de este invento fue inmediato, no sólo en Francia, sino también en toda Europa y América del Norte. En un año los hermanos Lumière creaban más de 500 películas, marcadas por la ausencia de actores y los decorados naturales, la brevedad, la ausencia de montaje y la posición fija de la cámara. Pero los espectadores acabaron aburriéndose por lo monótono de las tomas. Y fue George Méliès quien profundizó por primera vez en el hecho de contar historias ficticias y quien comenzó a desarrollar las nuevas técnicas cinematográficas, sobre todo en 1902 con "Viaje a la luna" y en 1904 con "Viaje a través de lo imposible", aplicando la técnica teatral ante la cámara y creando los primeros efectos especiales y la ciencia-ficción filmada. A partir de entonces la cinematografía no hizo más que mejorar y surgieron grandes directores como Ernst Lubitsch, Alfred Hitchcock, Fritz Lang, o Charles Chaplin que mantuvieron en constante evolución la técnica hasta que en 1927 se estrena la primera película con sonido El cantante de jazz, a partir de la cual el cine tal y como se conocía dejo de existir y se impusieron guiones más complejos que se alejaban de los estereotipados personajes que la época muda había creado.
Fue en ese mismo año 1927 cuando la Paramount Pictures crea la técnica cinematográfica conocida como doblaje.
Al cabo de los años la técnica permitió la incorporación del color, llegando en 1935 con "La feria de las vanidades" de Rouben Mamoulian, aunque artísticamente consiguió su máxima plenitud en 1939 con "Lo que el viento se llevó". El color tardó más en ser adoptado por el cine. El público era relativamente indiferente a la fotografía en color opuestamente al blanco y negro. Pero al mejorar los procesos de registro del color y disminuir los costes frente al blanco y negro, más películas se filmaron en color.
Asegurando su lugar en sucesión al cine clásico como por su proximidad al postmodernismo.
Realización cinematográfica
La realización es el proceso por el cual se crea un vídeo. Usualmente, en el cine de producción industrial pueden distinguirse cinco etapas de realización: desarrollo, preproducción, rodaje, postproducción y distribución. La realización supone asumir decisiones tanto a nivel artístico como productivo, y la limitación únicamente está dada por los medios disponibles (presupuesto del que se dispone y equipo con que se cuenta).
Equipo de filmación en rodaje.Equipo técnico
Producción: El productor cinematográfico es el encargado de los aspectos organizativos y técnicos de la elaboración de una película. Está a cargo de la contratación del personal, del financiamiento de los trabajos y del contacto con los distribuidores para la difusión de la obra. Si su tarea se limita a algunos aspectos puntuales del proceso técnico o creativo, se lo llama "co-productor".
También forman parte del área el director de producción, el productor ejecutivo, el jefe de locaciones y el asistente de producción.
Dirección: El director cinematográfico es el profesional que dirige la filmación de una película, el responsable de la puesta en escena, dando pautas a los actores y al equipo técnico, tomando todas las decisiones creativas, siguiendo su estilo o visión particular. Supervisando el decorado y el vestuario, y todas las demás funciones necesarias para llevar a buen término el rodaje.
También forman parte del área el asistente de dirección y el denominado script o continuista. Por otro lado, trabaja en conjunto con el director de actores.
Guión: El guionista es la persona encargada de confeccionar el guión, ya sea una historia original, una adaptación de un guión precedente o de otra obra literaria. Muchos escritores se han convertido en guionistas de sus propias obras literarias. Dentro del guión cinematográfico se distinguen el guión literario o cinematográfico, que narra la película en términos de imagen (descripciones) y sonido (efectos y diálogo), y está dividido en actos y escenas. Es necesario distinguir el guión literario del guión técnico, que agrega al anterior una serie de indicaciones técnicas (tamaño de plano, movimientos de cámara, etc.) que sirven al equipo técnico en su labor y que, a diferencia del guión literario, suele elaborarlo el director, no el guionista.
También pueden colaborar con el guionista otros escritores (co-guionistas) o contar con dialoguistas que están especializados en escribir diálogos.
El papel del guionista es muy importante, pues su trabajo es la base de todo el proyecto, si el guión es bueno el director puede hacer una película excelente, pero si éste es deficiente aunque el director tenga muchos recursos, la película quedará vacía.
Sonido: En rodaje, los encargados del sonido cinematográfico son el técnico de sonido y los microfonistas. En la postproducción se suman el editor de sonido, el compositor de la música incidental y los artistas de efectos sonoros (foley) y de doblaje, para generar la banda sonora original.
El equipo de fotografía trabajando.Fotografía: El director de fotografía es la persona que determina cómo se va a ver la película, es decir, es quien determina, en función de las exigencias del director y de la historia, los aspectos visuales de la película: el encuadre, la iluminación, la óptica a utilizar, los movimientos de cámara, etc. Es el responsable de toda la parte visual de la película, también desde el punto de vista conceptual, determinando la tonalidad general de la imagen y la atmósfera óptica de la película.
El equipo de fotografía es el más numeroso y se compone, además del director de fotografía, del camarógrafo, el primer asistente de cámara o foquista, el segundo asistente de cámara, el cargador de negativos, el gaffer o jefe de eléctricos, los eléctricos u operadores de luces, los grip u operadores de travelling o dolly, los estabilizadores de cámara (steady cam) y otros asistentes o aprendices.
Montaje: El montaje cinematográfico es la técnica de ensamblaje de las sucesivas tomas registradas en la película fotográfica para dotarlas de forma narrativa. Consiste en escoger (una vez que se ha rodado la película), ordenar y unir una selección de los planos registrados, según una idea y una dinámica determinada, a partir del guión, la idea del director y el aporte del montador.
El montador hoy en día trabaja con plataformas y programas profesionales como Avid u otros métodos de montaje digital. Puede tener un asistente y a la vez suele trabajar en conjunto con el cortador de negativos, encargado de realizar el armado de la primera copia editada en film, basado en la lista de cortes, generada por el sistema de edición offline.
Arte (Diseño de producción): El área artística puede tener un director de arte o varios, de ser necesario. En el caso de haber más de uno, éstos están coordinados por un diseñador de producción, quien está a cargo de la estética general de la película. Estos directores tendrán asistentes y encargados específicos, como escenógrafos, encargados de vestuario, modistas, maquilladores, peluqueros/as, utileros y otros miembros suplementarios como pintores, carpinteros o constructores. También dependen de esta área especialistas en los efectos visuales y ópticos que se realicen en el rodaje, así como otros efectos realizados durante la fase de postproducción.
Stunts: (Doble (cine)) Los dobles de riesgo o dobles de acción son las personas que sustituyen al actor en las escenas de riesgo. Donde la integridad física del actor o actriz podrían estar en riesgo. En algunos casos la escena de acción demanda de los actores ciertas habilidades de los cuales carecen, en este caso un especialista es contratado para realizar dicha escena. En otros casos el mismo actor tiene las capacidades necesarias para realizar la escena de acción sin embargo lo sustituyen por un doble para evitar el riesgo de un accidente y así atrasar toda la filmación.
Storyboards: El storyboard es un guión gráfico que se utiliza para definir las secuencias, así como las variaciones de plano, gestos y posiciones de los actores, en cada una de las escenas antes de rodarla; en él vemos como si de un comic se tratase la película completa. Además este elemento es fundamental para la buena comprensión del equipo técnico hacia lo que se va a rodar, incluyendo anotaciones con las dificultades de algunos planos o cosas a tener en cuenta. En la creación de un storyboard, los personajes y el fondo se pueden retratar únicamente mediante siluetas, pero siempre recalcando los elementos importantes en la acción como pueden ser flechas para indicar movimiento de cámara o de actores, o la expresión de una actor en un plano determinado.
Géneros cinematográficos
Artículo principal: Género cinematográfico
En la teoría cinematográfica, el género se refiere al método de dividir a las películas en grupos. Típicamente estos géneros están formados por películas que comparten ciertas similitudes, ciertos tópicos, tanto en lo narrativo como en la puesta en escena.
Cine independiente: Una película independiente es aquella que ha sido producida sin el apoyo inicial de un estudio o productora de cine comercial. El cine de industria puede ser o no de autor, mientras que el cine independiente lo será casi siempre. Actualmente existen muchos países que no tienen una fuerte industria del cine, y toda su producción puede ser considerada independiente.
Cine de animación: El cine de animación es aquél en el que se usan mayoritariamente técnicas de animación. El cine de imagen real registra imágenes reales en movimiento continuo, descomponiéndolo en un número discreto de imágenes por segundo. En el cine de animación no existe movimiento real que registrar, sino que se producen las imágenes individualmente y una por una (mediante dibujos, modelos, objetos y otras múltiples técnicas), de forma tal que al proyectarse consecutivamente se produzca la ilusión de movimiento. Es decir, que mientras en el cine de imagen real se analiza y descompone un movimiento real, en el cine de animación se construye un movimiento inexistente en la realidad.
Cine documental: El cine documental es el que basa su trabajo en imágenes tomadas de la realidad. Generalmente se confunde documental con reportaje, siendo el primero eminentemente un género cinematográfico, muy ligado a los orígenes del cine, y el segundo un género televisivo.
Cine experimental: El cine experimental es aquél que utiliza un medio de expresión más artístico, olvidándose del lenguaje audiovisual clásico, rompiendo las barreras del cine narrativo estrictamente estructurado y utilizando los recursos para expresar y sugerir emociones, experiencias, sentimientos, utilizando efectos plásticos o rítmicos, ligados al tratamiento de la imagen o el sonido.
Cine de autor: El concepto de cine de autor fue acuñado por los críticos de los Cahiers du Cinéma para referirse a un cierto cine en el que el director tiene un papel preponderante en la toma de todas las decisiones, y en donde toda la puesta en escena obedece a sus intenciones. Suele llamarse de esta manera a las películas realizadas basándose en un guión propio y al margen de las presiones y limitaciones que implica el cine de los grandes estudios comerciales, lo cual le permite una mayor libertad a la hora de plasmar sus sentimientos e inquietudes en la película. Sin embargo, grandes directores de la industria, como Alfred Hitchcock, también pueden ser considerados «autores» de sus películas.
Se define de acuerdo con su ámbito de aplicación y recepción, ya que no suele tratarse de un cine ligado a la industria, y no se dirige a un público amplio sino específico, y comparte a priori un interés por productos que se hallan fuera de los cánones clásicos. Un subgénero importante podría ser el cine abstracto.
Teoría del cine
Artículo principal: Teoría cinematográfica
La teoría del cine se basa en el principio de secuencias de fotografías continuas, es decir el cine trata de representar la fotografía en una secuencia continua para mostrar movimiento sin interrupciones.
El cine clásico tiene un estilo que enfatiza la continuidad y comprensibilidad de la película. Normalmente tiene caracteres fuertes constantes durante toda la película y un argumento con un final feliz. El cine moderno no enfatiza estas características, al contrario, rechaza el cine clásico y su estilo; e intenta romper todo ese estilo y todas las convenciones de ésta. Directores diferentes utilizan montos variantes del estilo 'moderno'.
Formatos cinematográficos
El cine nació en el siglo XIX como consecución de una larga cadena de inventos y descubrimientos en torno a la fotografía. El hechizo que causaba la proyección de sombras chinescas o dibujos de lejanos países mediante lámparas mágicas se unió a los avances de la fotografía. Como fenómeno de masas, podemos hablar del nacimiento del cine con los hermanos Lumière. Pero no hay que olvidar que éstos lo que hicieron fue perfeccionar el kinetoscopio de Thomas Alva Edison. Y que hubo muchos otros inventos que giraron en torno a cómo captar el movimiento.
Fue Thomas Alva Edison el creador, además, del formato cinematográfico por excelencia, el 35 mm, sobre un soporte de nitrato de celulosa. Este formato y los de ancho superior devinieron los de uso profesional, aunque hubo otros muchos empleados por cineastas o por la propia
viernes, 12 de noviembre de 2010
trabajo colaborativo numero 3
valor estetico
Muchas han sido las maneras de valorar y de revalorar la estética misma de la representación. Sin embargo, hoy en día en el mundo Post-moderno arraigado en las nuevas tendencias del arte contemporáneo podemos apreciar que para asumir algo como estético no necesariamente se debe actuar bajo el supuesto de una actitud estética encaminada al hecho de asumir simplemente el objeto físico deslumbrado en el -significante mediacional del arte como representación sino en lugar de ello debemos enfocarnos más en el objeto fenomenológico e implícito que se asume en el arte como representación. El hecho de que tanto en un cuadro como un libro (literatura) su significante material se exprese; podríamos decir en letras o en trazos: no significa que la actitud estética deba estar dimensionada simplemente en el objeto material de lo percibido, sino que de por si valla más allá de su forma objetivada en cuanto a lo que se percibe o en cuanto a lo que se expresa trascendiendo de esta forma la arbitrariedad de la llamada objetividad para darle mayor prioridad , sentido y fondo al objeto fenomenológico e ideo mediacional de lo que se expresa.
De acuerdo con Jhon Jairo cardozo Cardona 1 este autor aduce que la actitud estética debe centrarse más sobre las características percibidas más no sobre las características físicas que hacen posible lo percibido: por lo tanto si analizamos un cuadro debemos concentrarnos más en las combinaciones de color del cuadro más que en la forma en que ha de mezclarse la pintura para producir el color, ni tampoco en la química material empleada en la pintura.
En el caso de la pintura para comprender el objeto fenomenológico es necesario adentrarnos más allá de la forma o de los trazos; es decir es apreciar el cuadro más allá de su significante así se podría afirmar que en el caso de las pinturas si su objeto significante son los trazos o las líneas al asumir una actitud estética no deberíamos simplemente quedarnos ahí si no a su vez también apreciar el fondo fenomenológico de lo que se expresa.
Si asumimos lo anterior: Sería indispensable resaltar que la literatura a diferencia de las demás artes se distingue en cuanto al hecho de ser un arte Ideo-sensorial; es decir, se basa en que sus representaciones son captadas a través de un significante materializado en palabras o en letras que básicamente Cumple la función de ser un medio para expresar ideas a través del grafo cuyo fin básico son los significados más no los objetos o las percepciones concretas, pues en la literatura :los significados no son objetos ni percepciones concretas como si ocurre en las demás artes las artes auditivas y visuales, las cuales han sido llamadas artes sensoriales (Aude-arte musical),Visuales (arte-pictorico), pues en la literatura se evocan básicamente imágenes abstractas
A su vez sensibles que no necesariamente están vinculadas con la imagen Significante propia del medio material de lo que como arte la literatura expresa.
Mientras que tanto en las artes auditivas como visuales su significante básicamente se expresa en sonidos y en imágenes en la literatura no sucede lo mismo, pues realiza este proceso en forma ideo-sensorial Puesto que las palabras en si evocan imágenes sensibles no materiales basadas en lo abstracto las cuales pueden adquirir forma y sentido sólo en la mente del lector.
Muchas han sido las maneras de valorar la estética misma de la representación. Sin embargo, en la literatura existe una delgada línea que trasciende inclusive su propia representación como lo podremos apreciar a través de las siguientes imágenes poéticas:
Imágenes auditivas: “El plomizo balón de la tormenta de monte en monte en su rebotar se oye. (EL AMOR Y LA SIERRA) Antonio Machado.
Imágenes olfativas: “Su boca olía despacito a menta”
Imágenes gustativas: “Mario, adivinó un sabor a mandarina, buenísimo, viviéndolo desde lo más hondo del chocolate”
Imágenes táctiles: “Y el agua caliente corrió por el pecho y por las piernas”
Imágenes cromáticas: “Entonces en tú, panadera, apareciste, blanca de luna, de flores y de harina”
Como podemos apreciar en las siguientes imágenes poéticas: Más allá de quedarnos en las famosas reminiscencias Propias de las aromas del tiempo perdido de nuestro famoso Marcel Proust podemos hacer énfasis en que no sólo las imágenes gustativias auditivas y olfativas pueden tener un valor estético vinculados a los recuerdos o las reminiscencias sino que también a su vez poseen un valor original y dinámico Ideo- representacional que sobrepasa la delgada línea de aquellos que partiendo del determinismo reducen el campo de la actitud estética al excluir , el gusto, el olfato y el tacto como si estas mismas no se pudiesen apreciar como parte de lo estético como ocurre de igual manera cuando se excluye a la literatura de la apreciación estética por su carácter significante no perceptivo en cuanto a que su expresión significante no se basa , ni en imágenes , ni en sonidos como si ocurre en las artes sensoriales como la música y la pintura aspecto que se convierte en un retazo de índole determinista que se asemeja a una camisa de fuerza; la cual obstaculiza la verdadera valoración estética, pues ante ello sería indispensable resaltar que la literatura no se basa simplemente en la expresión objetivada o en una imagen material significante sino en imágenes abstractas ideo-sensoriales; en donde no necesariamente estas imágenes tengan que ver en su totalidad con la memoria sino que a su vez pueden tomar vuelo a través de una relación ideacional que en ciertos casos hace que la literatura al ser medio se convierta en una alternativa meta-representacional tal como lo expondremos en el siguiente ejemplo poético:
CASA PINTADA
Dibujo, antes que nada, una puerta.
Le trazo un cerrojoCon su forma de gota de agua
Y diseño con el pincel la llave
Que abre las dos hojas de madera,
La llave que funda el maridaje
entre el ojo y el cerrojo.
Abro la dibujada puerta
Y entro a la intemperie.
Pinto un largo corredor
Que cruza el patio de azules baldosas
Y bruñidos vitrales.
En el centro del patio,una alberca
De cuyos grifos de hierro
pendeLa lágrima del agua.
Al fondo, dibujo de peldaño en peldaño
Una escalera de caracol
que trepa Hasta un cuarto
poblado de luz
En sus grandes ventanales.
Subo a la alcoba
E inicio el desdibujo:
Un pincel entintado borra escalones,
Desvanece la alberca y su tosca grifería,
Borra el patio y sus vitrales,
El largo corredor
donde antesReinaba la intemperie.
Con un color de niebla deshago el cerrojo,
La llave y la puerta de madera,
Y quedo solo en el cuarto blanco
Que ya no tiene casa.
Juan Manuel roca
En el anterior ejemplo podemos apreciar un caso exclusivo de Meta representación, pues antes de tomar vuelo en dicho caso sería indispensable resaltar primeramente el concepto de Meta representación, pues Etimológicamente la palabra Meta-representación: Proviene del Prefijo Meta que significa Cambio de lugar, orden, Condición o Naturaleza pues proviene del latín Trans Que significa algo que provoca un cambio en la naturaleza misma de la representación.
Pero en este caso cuando hablamos de cambio o meta representación ¿A que nos referimos?
Nos referimos a la casa pintada; Es decir al cambio de representación, pues por lo general pintamos las casas a través del lenguaje icónico de trazos, de líneas (Arte pictórico) significante material pero aquí Juan Manuel roca lo hace no a través de de estos significantes (Trazos o Iconos) sino lo hace a través de letras (cambio de representación) ; es decir a través relación ideo-mediacional (idea-medio plasmada en grafo )poniendo en entredicho la tesis del autor del modulo Jhon Jairo cardozo Cardona quien comete el error discursivo de hacer énfasis sólo en la percepción asumiendo una actitud no grata o experta fundamentada en un juicio casi a priori al afirmar que cualquier intento basado en la evocación imágenes constituye un desesperado intento de acomodar los hechos a la teoría , pues para eso están los poetas para develar el sentido correcto y abstracto propio de la verdadera significación, pues la aletheia poética es una mejor manera de mejorar las cosas y a su vez también modificarlas rompiendo la arbitrariedad significante propia de la naturaleza de la representación a partir de una actitud fenomenológico basada en la expresión Sujeto-Objeto, puesto que en este caso el objeto de estudio ya no depende del objetivo mismo de pintar una casa sino de la razón subjetiva desvelada por el poeta al emplear el lenguaje abstracto y poético como un medio de superación.
“El lenguaje es la morada del ser y la casa donde habita el hombre; el cual hace las veces de intérprete, entonces la palabra en caso tal: puede tomarse como una morada singular donde habita el hombre y los pensantes, por lo tanto en forma representativa los poetas al trascender el significante de las palabras se convierten en vigilantes; los cuales básicamente desvelan el sentido propio de su significación o morada.
miércoles, 27 de octubre de 2010
sábado, 23 de octubre de 2010
TRABAJO COLABORATIVO 2 (Filosofía del arte)
Filosofía del arte
Las obras de Arte son muy diversas y heterogéneas: La música instrumental, de cuerda, de viento, de madera, música vocal, música sinfónica, arquitectónicas, pictóricas, poéticas, teatrales, cinematográficas... Los límites estéticos entre ellas (generalizando el sentido que Lessing estableció en su Laoconte al plantear la cuestión de los límites entre la pintura y la poesía) son muy difíciles de establecer. La metodología materialista aconseja comenzar por el análisis de las especialidades gremiales de artesanos y artistas (escultores, músicos, constructores, danzantes), así como de sus diversificaciones según culturas o escuelas interiores a cada cultura, como puedan serlo, en pintura, escultura o arquitectura, el realismo, el expresionismo, el funcionalismo, o el surrealismo... Cabría de este modo organizar el curso del desarrollo histórico y social del arte (en rigor, de sus diversas disciplinas, con sus propios ritmos de desarrollo, sin perjuicio de sus interacciones «sincrónicas») según diversos estadios, desde unos primitivos estadios en los cuales las obras de arte se hubieran mantenido confundidas por entero con otras realizaciones culturales (militares, religiosas, políticas, arquitectónicas) –estadio del arte inmerso, incluso adjetivo– hasta un estadio último en el cual las obras de arte se hicieran sustantivas según sus características especialidades –estadio del arte sustantivo (un concepto desde el cual podríamos reconstruir algunas fórmulas que, no por dudosas, están desprovistas de interés: «arte por el arte», «finalidad sin fin»)– pasando por estadios intermedios (artesanías, arte ceremonial...). En cualquier caso, sólo manteniendo contacto con las mismas disciplinas artísticas será posible determinar las Ideas que de ellas «emanan» y en torno a las cuales habrá de derivarse en cada momento la filosofía de arte
Las obras de Arte son muy diversas y heterogéneas: La música instrumental, de cuerda, de viento, de madera, música vocal, música sinfónica, arquitectónicas, pictóricas, poéticas, teatrales, cinematográficas... Los límites estéticos entre ellas (generalizando el sentido que Lessing estableció en su Laoconte al plantear la cuestión de los límites entre la pintura y la poesía) son muy difíciles de establecer. La metodología materialista aconseja comenzar por el análisis de las especialidades gremiales de artesanos y artistas (escultores, músicos, constructores, danzantes), así como de sus diversificaciones según culturas o escuelas interiores a cada cultura, como puedan serlo, en pintura, escultura o arquitectura, el realismo, el expresionismo, el funcionalismo, o el surrealismo... Cabría de este modo organizar el curso del desarrollo histórico y social del arte (en rigor, de sus diversas disciplinas, con sus propios ritmos de desarrollo, sin perjuicio de sus interacciones «sincrónicas») según diversos estadios, desde unos primitivos estadios en los cuales las obras de arte se hubieran mantenido confundidas por entero con otras realizaciones culturales (militares, religiosas, políticas, arquitectónicas) –estadio del arte inmerso, incluso adjetivo– hasta un estadio último en el cual las obras de arte se hicieran sustantivas según sus características especialidades –estadio del arte sustantivo (un concepto desde el cual podríamos reconstruir algunas fórmulas que, no por dudosas, están desprovistas de interés: «arte por el arte», «finalidad sin fin»)– pasando por estadios intermedios (artesanías, arte ceremonial...). En cualquier caso, sólo manteniendo contacto con las mismas disciplinas artísticas será posible determinar las Ideas que de ellas «emanan» y en torno a las cuales habrá de derivarse en cada momento la filosofía de arte
jueves, 21 de octubre de 2010
martes, 5 de octubre de 2010
UNIVERSIDAD NACIONAL ABIERTA Y A DISTANCIA (UNAD)
YECID ALBERTO LÓPEZ BELEÑO CODIGO: 1040360978
LADY MILENA MONTENEGRO CODIGO:
SUSAN KAREN CUELLAR CODIGO:
ESTETICA JURY JAAMAN
OCTUBRE 5 DEL 2010
INTRODUCCION
La estética es una rama de filosofía que estudia la esencia de la belleza, está a su vez más exactamente influye en nuestro diario vivir debido a la forma como nos comportamos como mantenemos, como nos relacionamos hasta la fragancia que usamos incide en lo que pueden pensar las demás personas y el resto de la sociedad acerca de nosotros por lo general la estética es la base fundamental de todo lo que somos.
Aporte de yecid alberto lopez beleño
El perfume
una obra la cual nos muestra cómo influye la estética en nuestro diario vivir ya que nuestra forma de oler puede ser el rechazo o el agrado de las demás personas.
en la actualidad nuestra forma de ser, de vestirnos o de oler representa lo que somos para la sociedad. es el claro caso del joven el cual nació entre viseras de pescado debido a que su madre era una infanticida ya que ella no lo quería y debido a su permanencia entre las viseras de pescado ninguna de las nodrizas quería tenerlo ya que no olía como los de mas bebes lo que genero un rechazo desde su infancia hasta el resto de su vida por parte de la sociedad.
por lo tanto se puede percibir que la sociedad en su gran parte es la causante de lo que somos y de lo que hacemos durante toda nuestra vida. debido a que la discriminación por algún defecto desde la infancia puede causar un trastorno sicológico hasta la adultez como lo sufrió esta persona.
Aporte de lady milena montenegro
el perfume
esta obra muestra tal vez la ambición del hombre, nos enseña la verdad de muchos, el interés hacia lo externo, para mi toda la obra de süskind es una reflexión, una crítica hacia este tal vez repugnante mundo como expresa muchas veces el autor mediante jean-baptiste grenouille, pues refleja los verdaderos intereses del hombre hipócrita desde cierto punto de vista. al hombre le gusta lo externo, es un ser pasional que se deja llevar por las cosas materiales y bonitas, se enloquece y adora lo estético, en fin es un ser mundano, porque busca aquel perfume con que puede atraer a otro ser, el perfume en sí es interpretación de las cosas del mundo que utiliza el hombre para... verse bien, para dar buena impresión, para llamar la atención o simplemente para la atracción de otros seres.
describí hace un momento al hombre que lleva consigo una actitud hipócrita porque le duele que se fijen en lo que trae puesto y no en lo que verdaderamente trae dentro o lo que en verdad es.
jean-baptiste grenouille se pasa del límite, pero cuál es este, sin duda es la moral porque llegó al asesinato para conseguir el perfume de aquellas tiernas adolescentes.
grenouille, es un ser ambicioso, pero el mundo y sus objetos no le interesan, ¡qué contrariedad cuando hablo de que grenouille no ama las cosas materiales sino a su olor!. sin duda el protagonista no es temblante ni tampoco dueño o hacedor de alguna virtud pero si un buen amante de la brutalidad, de la incontinencia y de los vicios. sabemos que nada hay más poderoso que el conocimiento. grenouille lo sabía, pero no tenía el conocimiento que todos conocemos sino aquel de los romas y así, con ese conocimiento tan poderoso logra dominar a los hombres, a tal grado que le amen, que le adoren, pero recalcando que solo a su aroma, aquel perfume exquisito, el más perfecto que se había creado en el mundo. entristece a gernouille porque es consiente de que el amor surgido no era hacia él sino hacia su aroma. tal conocimiento lo adquiere al "ver con la nariz" a la niña de la ruedes marais que contenía en ese entonces el mejor perfume que grenouille pudo haber captado, es entonces cuando comete su primer acto inmoral, su primer asesinato, al parecer en ese momento grenouille no estaba consiente de lo que hacía más bien era ignorante al no importarle el costo de la obtención de ese aroma, era incontinente al dejarse llevar por sus pasiones.
en adelante, después de estos sucesos llamó a grenouille un ignorante, pero aquel que no le importan las consecuencias, lo llamó así pues en toda la historia era consiente y razonaba pero sus actos eran para un bien particular no para uno común, buscaba su felicidad mediante la obtención de los aromas. era feliz siendo ambicioso.
grenouille era un ser que convivía con varias personas que tal vez no le tomaban importancia pues no tenía un olor, no sobresaltaba en la sociedad, muchas veces hacía notar süskind esta parte, pues como reflexión, en la sociedad en que vivimos tampoco somos tomados en cuenta si no tenemos aroma alguno, simplemente no llamamos la atención como lo harían otras personas que poseen esos perfumes atrayentes, que muestran lo bien vestidos que están, que presumen de sus riquezas por así decirlo. como hemos tocado en temas de clase acerca de la libertad, no podemos ser totalmente libres pues a veces nos oprime una sociedad, ya sea con normas o leyes o simplemente costumbres y prejuicios, este tema lo trataré después. ahora me enfocaré en otro tema que toca süskind, la amistad.
Aporte de susan karen cuellar
El perfume
yo pienso que jean-baptiste era un psicópata.
La psicopatía o personalidad psicópata es un trastorno de personalidad antisocial.
Los psicópatas no pueden entapizar ni sentir remordimientos, por eso interactúan con las demás personas como si fuesen cualquier otro objeto, las utilizan para conseguir sus objetivos, la satisfacción de sus propios intereses. no necesariamente tienen que causar algún mal, pero si hacen algo en beneficio de alguien o de alguna causa aparentemente altruista es sólo por egoísmo, para su único y exclusivo beneficio.
La falta de remordimientos radica en la cosificación que hace el psicópata del otro, es decir que el quitarle al otro los atributos de persona para valorarlo como cosa es uno de los pilares de la estructura psicopática.
Los psicópatas tienden a crear códigos propios de comportamiento, por lo cual sólo sienten culpa al infringir sus propios reglamentos y no los códigos comunes. Sin embargo, estas personas sí tienen nociones sobre la mayoría de los usos sociales, por lo que su comportamiento es adaptativo y pasa inadvertido para la mayoría de las personas.
Además, los psicópatas tienen como característica el tener necesidades especiales y formas atípicas de satisfacerlas, que en general impliquen cierta ritualización. el acto psicopático hacia el otro se configura mediante la necesidad del psicópata y su código propio, que desde su punto de vista lo exime del displacer interno.
al ser un psicópata, no sentía remordimientos al asesinar, no sentía culpa ni angustia.
era un hombre solitario a causa del rechazo de los demás, por el temor que les causaba al no tener olor propio, era como si no existiera. por eso la gente lo maltrataba o lo evitaba.
su propia madre lo abandonó, al ver ( o mejor dicho "oler") que era diferente, le causó temor, rechazo y se deshizo de él.
los psicópatas son inteligentes, no manifiestan nerviosismo, siempre ocultan algo, mienten por lo general, tienen una conducta impulsiva, y además tienen una autoestima muy elevada.
Algunos piensan que jean baptiste grenouille tiene "un toque de autísmo" cuyo centro es el mundo del olor.
Era un hombre perseverante en lograr sus objetivos, llegando a la obsesión. Determinado, cuando toma una decisión la lleva a cabo. arriesgado, corre riesgos a cada instante. con ganas de obtener conocimiento de lo que le agrada (olores, perfumes). su deseo de aprender es tal, que busca enseñanza y cuando logra el conocimiento deseado quiere más y va en busca de otro maestro.
En muchos casos la sociedad, los padres o familiares, crean los psicópatas, en el caso de jean baptiste, fue su propio ser; un ser especial que "olía" al mundo en forma diferente.
¿Qué es lo estético?
Es aquello en que se enfatiza en resaltar los tonos físicos, en diversos formas y colores para la presentación final de un proyecto, ya sea sobre una persona cosa o animal. siempre buscando deslumbrar o dar a expresar algo, para mí no tiene que ser algo siempre bello. digamos, en las películas de terror se preocupan por la estética de las coreografías, para resaltar un toque especial, como thriller de michael jackson. en una casa los decoradores se preocupan de como una casa va a lucir dándole tonos de luz y colores por todos lados, buscando una estética paralela a la estructura de la casa. ahora, un salón de belleza llamado también "estética", que hacen ahí?, buscan darle un realce personal a las personas, y si dejando a unas muy bellas , pero eso si en todo lo que mencione , solo superficialmente.
Por otro lado para el hombre ha sido muy difícil diferenciar lo estético de lo artístico, puesto que los dos van ampliamente relacionados.
Lo estético es algo que todos podemos comprender y que nos viene por naturaleza. la estética es el reflejo de la sensibilidad cultural y por lo tanto causa sentimientos de gusto o de aversión.
La diferencia entre lo artístico y lo estético es que este último surge de la naturaleza y el primero es el producto racionalizado del hombre que sensibiliza al receptor.
Aún así estos dos conceptos mantienen una estrecha relación, ya que en el plano social lo estético entraña lo artístico e incumbe a todos los hombres, mientras que las actividades y los productos de lo artístico, contienen lo estético e interesan a muy pocas personas. esta selectividad es causa de el bajo nivel cultural de las sociedades, en donde el arte no es comprendido por toda la gente puesto que la educación es deficiente, haciéndolo exclusivo para las clases altas.
En resumen, el diseñador tiene que comprender la relación que existe entre lo estético y lo artístico para lograr un diseño creativo, en donde a través del proceso artístico se crea algo estético y funcional: el diseño.
¿Qué quiso decir kant cuando afirmó: "la complacencia que determina los
Juicios del gusto es ajena a todo interés. llamamos interés a la
Complacencia que lleva aparejada para nosotros la representación de
la existencia de un objeto"? a partir de la lectura de los documentos
Complementarios y la guía didáctica.
La complacencia es ajena a todo interés cuando no esperamos algo en relación de la existencia de una cosa sino simplemente la asumimos desde el punto de vista de la simple contemplación, intuición y reflexión esto quiere decir que la existencia de un objeto es indiferente para mi, toda vez que ni quiero, ni espero de él nada práctico, ni interés alguno o fin externo, pues para kant:
"los juicios del gusto son puramente contemplativos, es decir, juicios que, mostrándose indiferentes en lo que respecta a la existencia de su objeto, sólo se preocupan de una cosa: de saber si provocan en nosotros una sensación de agrado o desagrado".
En este caso la palabra interés significa que la existencia de un objeto significa algo para el que lo percibe; por lo cual no se asume una actitud estética; si el objeto se percibe como un medio para alcanzar un fin en este caso externo. pues kant afirma con lo anterior que:
El comportamiento estético debe entregarse al objeto en actitud de pura contemplación; es decir, lo que impulsa al hecho de apreciar estéticamente algo es asumir un objeto como un fin interno en si mismo sin condiciones externas que vayan más allá de la existencia o representación del objeto; es decir, percibir las cosas como son sin llegar a esperar algo más de ellas.
Recrear algún acontecimiento importante en forma de artículo periodístico, documental o guión.
alégrese!!!
según los mas encumbrados expertos en economía ,
marketing y tendencias del consumidor , este próximo año 2011, sera el año del ...
Consumismo
tendrá que quedarse:
consu-mismo carro
con su-mismo sueldo
consu-mismo vestuario
(y con suerte quizás consu-mismo trabajo
LUGARES IMPORTANTES DEL MUNDO
1. MACHU PICHU PERU
2. CHICHEN ITZA MEXICO
3. CATARATAS DEL NIAGARA CANADA
4. PIRAMIDES DE EGIPTO
5. TAJ MAHAL INDIA
6. TORRE EIFEL FRANCIA
7. ISLA GALAPAGOS ECUADOR
8. COLISEO ITALIA
9. MURALLA CHINA
10. TEOTIHUACAN MEXICO
11. BURJ DUBAI EMIRATOS ARABES UNIDOS
12. CASTILLO DE NEUSCHWANSTEIN ALEMANIA
13. PLAZA ROJA RUSIA
14. TORRE DE PISA ITALIA
15. CRISTO REY BRASIL
16. ACROPOLIS GRECIA
17. OPERA DE SYDNEY
18. BARRANCA DEL COBRE MEXICO
19. BIG BEN INGLATERRA
20. CANAL DE PANAMA
21. ISLA DE PASCUA CHILE
22. PETRA JORDAN
23. HIMALAYA NEPAL
24. SAGRADA FAMILIA ESPAÑA
25. ESTATUA DE LA LIBERTAD USA
26. PLAZA DE SAN PEDRO VATICANO
27. ALHAMBRA ESPAÑA
28. ANGKOR CAMBODIA
29. GOLDEN GATE USA
30. PUERTA DE ALCALA ESPAÑA
31. GRAN CAÑON USA
32. EMPIRE STATE USA
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